Même si je continuerai à couvrir les festivals de cinéma incontournables auxquels je suis fidèle depuis des années, comme le Festival du Cinéma Américain de Deauville, après le remarquable Festival de la Fiction et du Documentaire Politique de La Baule, que j'avais eu le plaisir de suivre pour la première fois en octobre 2025, je prendrai bientôt pour la première fois la direction d'un festival installé depuis longtemps dans le paysage cinématographique, une référence pour les cinéphiles : le Festival La Rochelle Cinéma, dit Fema, dont la 54e édition aura lieu du 26 juin au 4 juillet 2026. Je m'en réjouis d'autant plus que le programme est particulièrement enthousiasmant et diversifié, certes comme chaque année.

Depuis 1973, le Festival La Rochelle Cinéma (Fema) est une grande fête du cinéma, au début de l’été, avec un public nombreux et fidèle, et des films d’hier et d’aujourd’hui venus du monde entier. En 2023, 141 longs métrages et 77 courts métrages, de 52 pays différents, ont été présentés au cours de 300 séances.  "Il n’y a pas de compétition à La Rochelle. L’important pour nous c’est l’esprit de curiosité, l’important pour nous c’est d’aller explorer dans tous les pays du monde", déclarait ainsi en 1980 le critique de cinéma Jean-Loup Passek, alors directeur du festival, ce qu'il fut jusqu'en 2001.  En 2018, Arnaud Dumatin et Sophie Mirouze, présents dans l’équipe depuis 2001 et 2003, reprennent à leur tour la direction et changent le nom du Festival, qui revient à ses origines en devenant le Festival La Rochelle Cinéma (Fema). Aujourd’hui, le Fema, qui a pour présidente Sylvie Pialat, reste non-compétitif et se veut une grande fête du cinéma, au début de l’été, avec un public nombreux et fidèle, et des films d’hier et d’aujourd’hui venus du monde entier. L'affiche est peinte depuis 1991 par Stanislas Bouvier, une fidélité exceptionnelle entre un artiste et un festival.

Le Fema présente environ 200 films de la période muette au cinéma d’aujourd’hui, avec des rétrospectives  consacrées à des cinéastes qui ont marqué l’Histoire du 7e art et des hommages à des réalisatrices et réalisateurs, actrices et acteurs contemporains. D’autres sections sont proposées à chaque édition : « Découverte »  d’une cinématographie d’un pays peu diffusée, « Animation » avec la découverte d’une technique ou d’un cinéaste, « d’hier à aujourd’hui » une sélection de films restaurés et réédités en salles, « ici et ailleurs » 40 longs métrages coups de cœur de l’année inédits en France ou présentés en avant-première, etc. Un volet autour de la musique au cinéma s’est développé depuis 2009 avec l’invitation d’une compositrice ou d’un compositeur et la création de ciné-concerts. Depuis 2019, l’image est aussi à l’honneur avec une leçon de lumière d’une directrice ou d’un directeur de la photo. Le Fema La Rochelle organise un festival pour les enfants avec 3 séances par jour et un programme spécifique ainsi que d’autres rendez-vous réguliers et attendus comme le spectacle Retour de flamme. Enfin, le Festival se termine traditionnellement par une nuit blanche consacrée à un thème, un genre, une actrice ou un acteur.

Cette année, vous pourrez aussi bien revoir des classiques, notamment de Jacques Tati, à l'honneur sur l'affiche. Je pense notamment à PlayTime qui, bien que sorti en 1967, pourrait ainsi avoir été réalisé aujourd'hui tant il reflète notre époque contemporaine : une époque avide de transparence, d'exhibition (« nous appartenons à une génération qui éprouve le besoin de se mettre en vitrine » disait-il déjà) et souvent aveugle à ce qui l'entoure. Une époque tonitruante et sourde. Une époque ultra « communicationnelle » et parfois tellement égocentrique voire égoïste. Une époque ouverte et cloisonnée. Une époque où les technologies compliquent parfois les rapports humains alors qu'elles devraient les faciliter. Une époque d'une modernité  aliénante (de l'uniformisation de l'architecture au rôle de la télévision en passant par l'influence de la société de consommation), déshumanisante et parfois inhumaine. C'est tout ce que Tati savait déjà si bien tourner en dérision et envelopper dans un vaste manège parfois (contrairement à ce qu'on pourrait croire) plus désenchanté qu'enchanté, en tout cas enchanteur. Le premier plan sur l'immeuble gigantesque, en contre-plongée est ainsi le reflet, à la fois inquiétant et fascinant, de ce que représente la modernité pour Tati.  Quelle clairvoyance, lorsque Tati nous montre déjà une société aseptisée, uniformisée, qui perd son identité et sa convivialité mais qui perd aussi la notion d'intimité (même si ici la transparence est un leurre, au propre comme au figuré), des vies standardisées, une société monochrome, un monde moderne qui aliène dans lequel « la vedette est avant tout le décor ». Les corps et décors sont alors pareillement soumis à la standardisation et à la répétition. « Playtime » a ainsi été tourné en 70mm pour montrer la démesure de l'architecture par rapport à l'homme. Quel cinéaste arrive aujourd'hui à construire des plans (souvent des plans séquence et des plans d'ensemble) d'une telle richesse, d'une  telle densité, d'une telle polysémie avec un tel travail sur le son, les couleurs, l'organisation en apparence désorganisée de l'espace, créant un univers tellement singulier à la fois absurde et clairvoyant, tendre et mélancolique ? PlayTime est un bijou burlesque, héritier de Keaton mais aussi de Chaplin avec ses objets métonymiques (canne, chapeau),  d'une beauté inégalée et qui nous embarque dans son univers aussi gris que fantaisiste, aussi absurde que réaliste : Tati met ainsi en lumière les paradoxes de notre société par un cinéma lui-même en apparence paradoxal, mais savamment orchestré. Ah, la séquence du Royal Garden! Quelle lucidité. Quelle drôlerie ! Quel discernement ! Quelle folie savante et poétique ! Quel sens du détail ! 45 minutes d'une inventivité et d'une intelligence jubilatoires et incomparables ! Et quelle confiance accordée au spectateur qu'on cherche si souvent aujourd'hui à infantiliser et quelle confiance accordée à son regard qu'on cherche si souvent à dicter. Un tourbillon spectaculaire, une récréation savoureuse dont le spectateur fait partie intégrante. Tati se fait chorégraphe et maître de ballet de son univers labyrinthique si particulier et fascinant, tout en folie, déplacement et transparence, avec ses mouvements qui épousent d'abord les lignes architecturales puis qui prennent leur liberté, leur envol et deviennent plus audacieux comme une invitation à ne pas se laisser emprisonner par les lignes du décor et donc à se désaliéner de la modernité dans laquelle Paris n'est plus qu'un reflet inaccessible et nostalgique. L'artiste prend alors le pas sur les lignes rectilignes et glaciales de l'architecture. Tati s'inspire lui-même de plusieurs peintres : Mondrian, Klee, Bruegel...Il tente alors de décloisonner et perturber l'espace.

 Outre six films, deux documentaires consacrés à Jacques Tati seront présentés.

Dans le cadre de rétrospectives, vous pourrez aussi revoir de nombreux chefs-d'œuvre, réalisés par Youssef Chahine, ou des films dans lesquels joue Diane Keaton. Vous pourrez aussi (re)voir l'intégrale de Nanni Moretti, les films de Léa Mysius ou Cristian Mungiu, et notamment Fjord, la palme d'or 2026.

Je vous parlerai  bientôt longuement de ce film de Cristian Mungiu qui se garde de tout simplisme et manichéisme, dans un monde de plus en plus polarisé, prisonnier des postures, où les grands discours sur la bienveillance dissimulent souvent une profonde intransigeance, où les jugements hâtifs remplacent l'empathie et l'écoute. Une époque paradoxale qui, sous prétexte de vertu, condamne sans nuances et érige de nouveaux dogmes.  Le cinéaste nous pousse à interroger nos propres préjugés et contradictions, et cette notion de tolérance, devenue le privilège de ceux qui n'en font preuve que lorsque cela les arrange. "Les sociétés aujourd'hui sont fracturées, radicalisées. C'est un message pour la tolérance, l'inclusion, l'empathie. Ce sont des termes magnifiques, que nous aimons tous, mais il faut les appliquer plus souvent" a ainsi déclaré le réalisateur lors de la cérémonie de clôture.

Ce film ne sera pas le seul du palmarès cannois que vous pourrez découvrir à La Rochelle. Vous pourrez également voir le Grand Prix (Minotaure d'Andreï Zviaguintsev),  le Prix du Scénario (Notre Salut d'Emmanuel Mare),  le film couronné du double Prix d'interprétation féminine (Soudain de Ryusuke Hamaguchi). Vous pourrez aussi découvrir d'autres films en compétition à Cannes comme L'Inconnue d'Arthur Harari. Et, en ouverture : Mariage au goût d’orange de Christophe Honoré, en présence de l’actrice Saadia Bentaïeb.

Vous pourrez également savourer des films restaurés ou réédités, des classiques avec Michel Piccoli, mais aussi des films noirs savoureux de la collection Rivages/Noir : Boulevard du Crépuscule de Billy Wilder, Police Python 357 d'Alain Corneau...

Mais aussi des raretés comme les films d'une cinéaste majeure en Estonie, à qui le Fema consacrera la première rétrospective, Leida Laius.

Au total, ce seront 19 longs-métrages inédits ou en avant-première qui seront projetés et 17 documentaires inédits ou en avant-première.

Le Fema est accessible à tous. Je vous laisse découvrir les conditions d'accréditation, ici.

Je vous invite aussi à découvrir We Love Fema qui est un espace communautaire dédié à la découverte, au partage et à la transmission autour du cinéma. Vous pouvez vous inscrire, ici.

Un compte #welovefema vous donne en particulier accès aux fonctionnalités suivantes :

• publier des micro-critiques sur les films programmés au Fema
• composer et partager votre agenda personnalisé
• ajouter des films à vos favoris
• participer aux divers concours organisés par le festival

Retrouvez, la semaine prochaine, la grille de programmation sur le site officiel du festival.

En attendant, voici le programme détaillé de cette 54e édition :

Rétrospectives

Jacques Tati

Souvent comparé à Charlie Chaplin, il se voyait plutôt comme un héritier de Buster Keaton auquel il vouait une grande admiration. Un cinéaste et un acteur burlesque qui, à l’ère du parlant, a créé un personnage unique, monsieur Hulot, avec un univers unique et singulier.
Cinéaste de la modernité, de la poésie et du bruitage, Jacques Tati a véritablement réinventé le cinéma en observant le monde qui l’entourait dès la fin des années 1940 avec Jour de fête.

6 films

• Jour de fête (1949)
• Les Vacances de monsieur Hulot (1953)
• Mon oncle (1958)
• Playtime (1967)
• Trafic (1971)
• Parade (1974)

2 documentaires

• Jacques Tati, tombé de la lune (2021) Jean-Baptiste Péretié
• Itinéraire Bis (2026) Stéphane Goudet

Diane Keaton

À la recherche de Mister Goodbar Richard Brooks © Park Circus

Star hollywoodienne des années 1970 depuis la trilogie du Parrain de Francis Ford Coppola, elle a remporté un Oscar en 1977 pour son rôle étincelant de vitalité et de fantaisie dans Annie Hall, comédie sur les affres du couple écrite pour elle par Woody Allen chez qui elle donnera libre cours à son brio comique. 

8 films

• Le Parrain (États-Unis, 1972) Francis Ford Coppola
• Le Parrain 2 (États-Unis, 1974) Francis Ford Coppola
• Annie Hall (États-Unis, 1977) Woody Allen
• À la recherche de Mister Goodbar (États-Unis, 1977) Richard Brooks
• Manhattan (États-Unis, 1979) Woody Allen
• Reds (États-Unis, 1981) Warren Beatty
• L’Usure du temps (États-Unis, 1982) Alan Parker
• Meurtre mystérieux à Manhattan (États-Unis, 1993) Woody Allen

Youssef Chahine

Le Fema est heureux de célébrer le réalisateur le plus inventif du cinéma égyptien qui, en une quarantaine de films, aura raconté les grands bouleversements du monde arabe du XXe siècle et inscrit l’Égypte sur la carte de la cinéphilie mondiale : Youssef Chahine (1926-2008). À l’occasion du centenaire de sa naissance, cette rétrospective sera l’occasion de (re)découvrir son œuvre généreuse, courageuse, combative, exceptionnelle par sa longévité et sa diversité esthétique, mêlant divertissement et engagement, autant inspirée par l’âge d’or du musical américain que par sa propre vie. 

10 films

• Ciel d’enfer (1954)
• Les Eaux noires (1956)
• C’est toi mon amour (1957)
• Gare centrale (1958)
• Le Retour de l’enfant prodigue (1976)
• Le Sixième Jour (1986)
• Alexandrie, encore et toujours (1990)
• L’Émigré (1994)
• Le Destin (1997)
• L’Autre (1999)

Leida Laius

Cinéaste majeure en Estonie, la première rétrospective de Leida Laius aura lieu au 54e Fema. Née en 1923 et disparue il y a 30 ans, elle a marqué l’histoire de son pays. Ses récits sensibles et sans concession témoignent des fragilités et résistances de femmes en rupture avec la société. Son œuvre profondément humaine allie exigence formelle et onirisme.

8 films

• Werewolf (1968)
• Ukuaru (1973)
• Un humain est né… (cm, doc, 1975)
• Enfance (cm, doc, 1976)
• The Master of Kõrboja (1979)
• Esprits bienveillants de la ville natale (cm, doc, 1983)
• Jeux d’enfants (coréal. Arvo Iho, 1985)
• A Stolen Meeting (1989

Hommages

Dag Johan Haugerud

Avec ses 4 premiers longs métrages, puis sa Trilogie d’Oslo, Dag Johan Haugerud, qui est aussi écrivain, signe une œuvre cinématographique romanesque, sensible et délicate, sur le désir, la sexualité et l’identité de genre. De film en film, nous retrouvons des portraits de femmes incarnés par de magnifiques actrices comme Andrea Bræin Hovig mais aussi la ville d’Oslo à laquelle le cinéaste est très attaché. 

Une sélection de courts métrages et 7 longs métrages :

• I Belong (2012) – inédit en France
• I’m the One you Want (2014) – inédit en France
• Beware of Children (2019) – inédit en France
• The Light from the Chocolate Factory (2020) – inédit en France
• La Trilogie d’Oslo : Rêves (2024) – Ours d’or Berlinale 2025
• La Trilogie d’Oslo : Amour (2024)
• La Trilogie d’Oslo : Désir (2024)

Nanni Moretti

Réalisateur, scénariste, producteur, exploitant indépendant et acteur dans la plupart de ses films, Nanni Moretti mêle dans son cinéma, profondément autobiographique, nourri autant de Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini que des frères Taviani, crise de conscience politique et existentielle avec ironie, humour mordant et profonde mélancolie. 

L’intégrale de ses seize longs métrages et trois de ses courts métrages :

• Je suis un autarcique (1976)
• Ecce bombo (1978)
• Sogni d’oro (1981)
• Bianca (1984)
• La messe est finie (1985)
• Palombella rossa (1989)
• La Cosa (1990)
• Journal intime (1993)
• Le Jour de la première de Close-up (cm, 1995)
• Aprile (1998)
• La Chambre du fils (2001)
• Le Cri d’angoisse de l’oiseau prédateur (cm, 2002)
• Le Caïman (2006)
• Journal d’un spectateur (cm, 2007)
• Habemus Papam (2011)
• Mia madre (2015)
• Santiago, Italia (doc, 2018)
• Tre piani (2021)
• Vers un avenir radieux (2023)

Cristian Mungiu

Près de vingt ans après sa Palme d’or pour le saisissant 4 mois, 3 semaines, 2 jours, présenté en ouverture du Fema 2007, le cinéaste Cristian Mungiu, figure de proue du cinéma roumain, sera à La Rochelle avec l’intégrale de ses longs métrages. Il présentera en avant-première son nouveau film, Fjord, pour lequel il vient tout juste de recevoir sa deuxième Palme d’or à Cannes, un drame intimiste tourné en Norvège qui pose la question du vivre ensemble. 

9 films :

• Occident (2002)
• 4 mois, 3 semaines, 2 jours (2007) 
• Contes de l’Âge d’Or – 1re partie (coréal. Hanno Höfer, Răzvan Marculescu, Constantin Popescu, Ioana Uricaru, 2009)
• Contes de l’Âge d’Or – 2e partie (coréal. Hanno Höfer, Răzvan Marculescu, Constantin Popescu, Ioana Uricaru, 2009)
• Au-delà des collines (2012)
• Baccalauréat (2016)
• R.M.N. (2022)
• Traffic (2024) Teodora Ana Mihai – coécrit par Cristian Mungiu
• Fjord (2026) – en avant-première 

Léa Mysius

Découverte par la Semaine de la Critique à Cannes avec son premier long métrage, Ava, elle a fait l’ouverture du Fema en 2022 avec Les Cinq Diables. Cinéaste parmi les plus talentueuses et audacieuses de sa génération, exploratrice des sens, Léa Mysius viendra présenter son œuvre sensorielle teintée de fantastique et son nouveau film magistral, en avant-première, Histoires de la nuit, adapté du roman éponyme de Laurent Mauvignier.

3 films :

• Ava (2017)
• Les Cinq Diables (2022)
• Histoires de la nuit (2026) – en avant-première

Regina Pessoa et Abi Feijó

Avec une approche artisanale de l’animation, du stop-motion à la gravure, leurs films explorent tout en délicatesse les thèmes de l’enfance, l’immigration, la mémoire et l’identité. Cet hommage sera l’occasion d’explorer leur filmographie en trois programmes de courts métrages qu’ils ont réalisés et produits avec leur société Ciclope Filmes ainsi qu’une sélection de courts métrages d’animation de la nouvelle génération de réalisatrices portugaises. 

Les courts d’animation de Regina Pessoa :

• La Nuit (1999)
• Histoire tragique avec fin heureuse (2005)
• Kali le petit vampire (2012)
• Oncle Thomas, la comptabilité des jours (2019)

Les courts d’animation d’Abi Feijó :

• Oh que calma (1985)
• La nuit sort à la rue (1987)
• Les Brigands (1993)
• Fado lusitano (1995)
• Clandestin (2000)
• Notre Dame de la Présentation – coréal. Alice Guimarães, Daniela Duarte, Laura Gonçalves (2015)

Fado Lusitano, Abi Feijó © Filmografo

Les courts d’animation produits par Ciclope Filmes :

• Amelia & Duarte (2015) Alice Guimarães, Mónica Santos
• Ride (2018) Paul Bush
• Altötting (2020) Andreas Hykade
• La Madone au fandango (2026) Marcy Page

Les réalisatrices portugaises d’animation :

• The Garbage Man (2022) Laura Gonçalvez
• Percebes (2024) Alexandra Ramires, Laura Gonçalvez
• Seul comme un chien (2025) Marta Reis Andrade
• Parce qu’aujourd’hui c’est samedi (2025) Alice Eça Guimarães
• La Veste rose (2022) Monica Santos
• Soupe froide (2023) Marta Monteiro

Ici et ailleurs

19 longs métrages inédits ou en avant-première

• Adieu monde cruel (Belgique/France) Félix de Givry *
• Blaise (France, animation) Dimitri Planchon, Jean-Paul Guigue *
• Dégel (Espagne/Chili/USA) Manuela Martelli
• Everytime (Autriche/Allemagne) Sandra Wollner
• Home Stories (Allemagne) Eva Trobisch *
• La Frappe (France) Julien Gaspar-Oliveri *
• La Gradiva (France/Italie) Marine Atlan *
• L’Inconnue (France/Italie) Arthur Harari *
• Mariage au goût d’orange (France) Christophe Honoré * – Film d’ouverture en présence de l’actrice Saadia Bentaïeb
• Mother’s Baby (Autriche/Suisse/Allemagne) Johanna Moder
• Notre Salut (Belgique/France) Emmanuel Marre *
• Le Prix et la valeur (Kosovo/All/Slovénie/Albanie/Macédoine du Nord/Belgique) Visar Morina
• Roma Elastica (Italie/France) Bertrand Mandico *
• Rose (Autriche/Allemagne) Markus Schleinzer
• Seule la tendresse (cm, France) Nicolas Giuliani – en présence de Christophe Chauvin (chef opérateur)
• Sheep in the Box (Japon) Hirokazu Kore-eda
• Soudain (Belgique/France/Allemagne/Japon) Ryūsuke Hamaguchi
• Le Triangle d’or (France) Hélène Rosselet-Ruiz *
• Trois adieux (Italie/Espagne) Isabel Coixet *
• Une disparition (Belgique/Liban/Palestine/Qatar/Arabie Saoudite) Rakan Mayasi

* : En présence des cinéastes

Les 80 ans du CNC : Les films soutenus par l’Aide aux cinémas du monde

• 9 temples vers le ciel (Thaïlande/Singapour/France) Sompot Chidgasornpongse
• La Deuxième fille (Chine/France) Zou Jing
• Dua (Kosovo/Suisse/France) Blerta Basholli
• Minotaure (France/Allemagne/Lettonie) Andreï Zviaguintsev *
• No Good Men (Allemagne/France/Norvège/Danemark/Afghanistan) Shahrbanoo Sadat *
• The Station (Yémen/Jordanie/France/Allemagne/Pays-Bas/Norvège/Qatar) Sara Ishaq
• Vesna (Lituanie/France/Estonie) Rostislav Kirpičenko *
• Yugo Florida (Serbie/Monténégro/Bulgarie/Croatie/France) Vladimir Tagić

* : En présence des cinéastes

Programme Humour belge, en collaboration avec le Brussels Short Film Festival

6 courts métrages avec SME (sous-titrage pour sourds et malentendants)

• Avec Thelma Anne Sirot, Raphaël Balboni
• Le Plombier Xavier Seron, Méryl Fortunat-Rossi
• Schroot Anthony Van Roosendael
• Se dit d’un cerf qui quitte son bois Salomé Crickx
• Le Signaleur Benoît Mariage
• Tranche de campagne Hannah Letaïf

École des Beaux-Arts de Bordeaux

10 courts métrages :

• Ange SMR Ninon Plantard
• Avant de m’asseoir Tina Blanche
• Cachons les sucettes Chaz El Charif
• D’où viens-tu ? Victor Chavot
• Histoire rochelaise Antoine Turcry-Cottereau
• LAFOSSA Alice Delmotte
• Nightmères Nike Victorino Krepischi Dos Santos
• Nouvel An 98: mon papa sur mesure a rencontré mon père Fantin Lebrun
• Le Poison des digitales Louis Castets
• Le Raisin d’Amérique Zélie Boulestreau

Au cœur du doc

17 documentaires inédits ou en avant-première :

• À l’amour (cm, France) Djanis Bouzyani *
• À vous de jouer (France) Yves Jeuland *
• Cœur secret (France) Tom Fontenille *
• Deleau : le cinéma en liberté (Canada/Québec ) Michel La Veaux *
• La Détention (France) Guillaume Massart *
• Fiume o morte! (Croatie/Italie/Slovénie) Igor Bezinović
• Gabin (France/Suisse/Allemagne ) Maxence Voiseux *
• Irish Travellers (Irlande/France) Alexander Murphy *
• Jacques-Henri Lartigue, la vie en relief (France) Denis Gaubert * – projection en 3D
• Jardin d’enfants (Canada/Québec) Jean-François Caissy *
• La Leçon de violon (France) Julie Bertuccelli *
• Merci d’être venu (France) Alain Cavalier – en présence d’Emmanuel Manzano (monteur) et Zoé Chantre (cinéaste)
• Qui vit encore ? (Suisse/France/Liban/Palestine) Nicolas Wadimoff *
• Sarkash, les indociles (France/Corée du Sud) Sophie Schrago *
• Une vie manifeste (France ) Jean-Gabriel Périot *
• La Vie après Siham (France/Égypte) Namir Abdel Messeeh *
• Viendra la révolution (République tchèque/Espagne) Pegah Ahangarani *

* : En présence des cinéastes

D’hier à aujourd’hui

L’histoire du cinéma à travers des films restaurés, des raretés ou des classiques.

Films restaurés ou réédités

• L’Aventure d’une nuit (États-Unis, 1940) Mitchell Leisen
• La Prière aux étoiles (France, 1941) Marcel Pagnol
• Goupi Mains Rouges (France, 1943) Jacques Becker
• Othello (États-Unis, 1947) George Cukor
• Étoiles (Bulgarie/Allemagne, 1959) Konrad Wolf – en avant-première
• La Dérive (France, 1964) Paula Delsol – en avant-première
• La Party (États-Unis, 1968) Blake Edwards – en clôture du Fema
• A Swedish Love Story : une histoire d’amour suédoise (Suède, 1970) Roy Andersson – en avant-première
• Les Cannibales (Italie, 1970) Liliana Cavani
• Tinimbang (Philippines, 1974) Lino Brocka – en avant-première
• Qui sera tué demain ? (Italie, 1977) Luigi Zampa – en avant-première
• Une femme comme Eva (Pays-Bas, 1979) Nouchka Van Brakel – en avant-première
• Le plus grand mérite de la femme est son silence (Allemagne/Suisse, 1980) Gertrud Pinkus *
• Gremlins 2 : La nouvelle génération (États-Unis, 1990) Joe Dante
• Gremlins l’Amérique parasitée (France, 2026) Adrien Dénouette * – en avant-première
• Les Amants du Pont-Neuf (France, 1991) Leos Carax – en avant-première
• Les Nuits fauves (France/Italie, 1992) Cyril Collard – en avant-première et en présence de Jacques Fieschi (scénariste)
• Intimité (France, 1993) Dominik Moll *
• Antonia et ses filles (Pays-Bas/Belgique/Grande-Bretagne, 1995) Marleen Gorris – en avant-première
• L’Amérique des autres (Serbie/Grande-Bretagne/France/Allemagne/Grèce, 1995) Goran Paskaljević – en avant-première
• Quand la mer monte (France/Belgique, 2004) Yolande Moreau *, Gilles Porte * – en avant-première
• Mysterious Skin (États-Unis/Pays-Bas, 2004) Gregg Araki – en avant-première
• C.R.A.Z.Y. (Canada-Québec, 2005) Jean-Marc Vallée

* : En leur présence

Hommage à André Delvaux (Belgique)

• Benvenuta (Belgique/France/Italie, 1983) André Delvaux
• 1001 films (Belgique, 1988) André Delvaux

Hommage à Michel Piccoli

• La Faille (Italie/France/Allemagne, 1975) Peter Fleischmann – en avant-première
• Une étrange affaire (France, 1981) Pierre Granier-Deferre

Les 40 ans de la collection Rivages/Noir

• Chronique d’un amour (Italie, 1950) Michelangelo Antonioni
• Boulevard du Crépuscule (États-Unis, 1950) Billy Wilder
• Du rififi chez les hommes (France, 1955) Jules Dassin – film audiodécrit par le Fema
• La mafia fait la loi (Italie/France, 1968) Damiano Damiani
• Police Python 357 (France/Allemagne, 1976) Alain Corneau
• Série noire (France, 1979) Alain Corneau

En présence de Dominique Sylvain,  Danielle Thiéry, Hervé Le Corre et Christian Roux

AFFN – Archive Film Festival Network

« AFFN présente » la naissance du cinéma d’auteur dans les années 1950 :

• Stella, femme libre (Grèce, 1955) Michael Cacoyannis
• La Complainte du sentier (Inde, 1955) Satyajit Ray
• Un petit carrousel de fête (Hongrie, 1956) Zoltán Fábri
• Désir (République tchèque, 1958) Vojtech Jasny

« AFFN Film »

• Au loin s’en vont les nuages (Finlande, 1996) Aki Kaurismäki

Le Fema des enfants

Carmen, l’oiseau rebelle Sébastien Laudenbach © Folivari, France 3 Cinéma, Région Auvergne Rhône-Alpes, La Garde Montante Films

Avec Benshi
Le Fema vous propose une vaste programmation dédiée aux enfants, des tout petits aux plus grands. 2 à 3 séances par jour, tous les jours et pour tous les âges à partir de 3 ans. 

4 programmes de courts métrages pour les tout-petits :

• Les Mésaventures de Joe Vladimír Pikalík | 3+
• Patouille et Momo, les contes de la forêt Inès Bernard-Espina, Mélody Boulissière, Clémentine Campos * – en avant-première | 3+
• Un amour d’épouvantail – en avant-première | 4+
• Famille & compagnie – programme inédit | 6+

5 longs métrages en avant-première :

• Joyeuse Jungle ! (Born in the Jungle) Edmund Jansons | 5+
• Petite Casbah Antoine Colomb – en présence des producteurs | 6+
• Lucy Lost Olivier Clert * | 6+
• Le Corset Louis Clichy * | 7+
• Carmen, l’oiseau rebelle Sébastien Laudenbach * – accessible en version audiodécrite | 8+

* : En leur présence

Festival CIAK ! 2025 

1/2 En Sardaigne, à Collinas, les 9 et 10 août 2025

« Il n'y a pas de fin. Il n'y a pas de début. Il n'y a que la passion infinie de la vie. » Fellini

Si, cet été, cette passion infinie de l'existence vous mène jusqu'en Sardaigne, je vous recommande ce festival consacré au film italien de patrimoine.

L'édition 2025 de CIAK !, qui sera ainsi la troisième édition du festival du film italien de patrimoine, aura lieu du 21 au 23 novembre, à Raon l'Étape, dans les Vosges.

Pour la première fois, cette année, CIAK ! se déclinera également en Sardaigne, dans le village de Collinas, les 9 et 10 août 2025.

Au programme : Il Sorpasso (qui signifie "Le Dépassement" / titre français : Le Fanfaron ) de Dino Risi (1962) avec Vittorio Gassman et Jean-Louis Trintignant, et Travolti da un insolito destino nell'azzurro mare d'agosto (Vers un destin insolite sur les flots bleus de l'été) de Lina Wertmüller (1971), avec Giancarlo Giannini.

Ces séances seront présentées par Laurent Galinon, directeur artistique et programmateur du festival.

Je ne peux m'empêcher d'évoquer brièvement Le Fanfaron. Voici donc juste quelques mots dictés par mes souvenirs imprécis pour vous inciter à le découvrir dans le cadre de ce festival : ce long métrage est un petit bijou de Dino Risi, sommet de la comédie italienne des années 60, qui a pour coscénaristes Ruggero Maccari et un certain…Ettore Scola. Un trajet de Rome à Viareggio dans la Lancia Aurelia B24 d’un séducteur désinvolte, volubile et exubérant (Vittorio Gassman) avec un étudiant en droit studieux, timide et complexé (Jean-Louis Trintignant) dont il a fait la connaissance le matin même. Deux caractères (le libertaire et le conservateur), deux visages de la société italienne. Ensemble, à vive allure, ils vont vivre deux journées trépidantes de Rome à Viareggio... : le soleil du 15 août, l’insouciance contagieuse, la vie à 100 à l’heure. Un tourbillon de légèreté et de vitalité, non dénué de nostalgie et de mélancolie : « L’âge le plus beau, c’est celui qu’on a jour après jour, jusqu’à ce qu’on crève bien sûr. » Un instantané de la société italienne en plein boom économique et en pleine mutation. Un film dans lequel Catherine Spaak tient l’un de ses premiers rôles importants. Un road-trip étourdissant que Dennis Hopper et Peter Fonda reverront de nombreuses fois pour Easy Rider. Un film à la frontière des époques du cinéma transalpin (le néo-réalisme n’est pas si loin), entêtant comme un mélodie italienne populaire, faussement légère, comme la vie qu’il célèbre et donne envie d’enlacer : drôle et funeste.

L'édition 2024 de CIAK ! à Raon-l'Étape fut consacrée aux grandes actrices italiennes.

Ce festival a été fondé par Laurent Galinon, auteur (notamment du livre Alain Delon en clair-obscur) et réalisateur (notamment du documentaire Delon/Melville, la solitude de deux Samouraïs), deux œuvres que je vous avais vivement recommandées ici, et que je vous conseille de nouveau de découvrir (suivez les liens pour en savoir plus).

2/2 Dans les Vosges, à Raon l'Étape, du 21 au 23 novembre 2025

L'édition 2025 à Raon l'Étape aura lieu du 21 au 23 novembre et aura pour thématique les "Comédiens à l'italienne" : Vittorio Gassman, Marcello Mastrioanni, Ugo Tognazzi, Vittorio De Sica, Alberto Sordi, avec les projections des films suivants :

- Le Fanfaron de Dino Risi - 1h45 - 1962 - Le vendredi 21 novembre à 20h

- Divorce à l'italienne de Pietro Germi - 1h45 - 1961 - Le samedi 22 novembre à 21h

- Le Lit conjugal de Marco Ferreri - 1h30 - 1963 - Le dimanche 23 novembre à 10h

- L'Or de Naples de Vittorio de Sica - 2h11 - 1954 - Le samedi 22 novembre à 17h30

- Les Nouveaux monstres de E.Scola, D. Risi, M.Monicelli - 1h55 - 1977 - le dimanche 23 novembre à 15h

En présence de Jean Gili, historien du cinéma italien, qui donnera une conférence d'1h45 sur "Les grands acteurs italiens", suivie d'une dédicace, à la Médiathèque La Boussole à Saint-Dié, le samedi 22 novembre à 14h30.

La Halle aux Blés de Raon l'Étape
Séance : 5 euros
Pass festival : 20 euros

Enfin, pour en savoir plus sur cet évènement : rendez-vous sur le compte Instagram de CIAK !  et sur sa page Facebook.

Je pourrais vous parler des chemins détournés et épineux qu'empruntent les rêves pour se concrétiser. Je pourrais vous parler de tous les hasards et coïncidences, des turbulences et des rebondissements qui ont jalonné ces derniers mois avant et après la publication de ce roman. Je pourrais vous parler de ce qui, profondément, viscéralement, a suscité l'envie irrépressible de raconter cette histoire sur la force des rêves et la puissance émotionnelle de la musique qui, dans ce roman, bouscule et relie les destinées, enfièvre et console. Je pourrais vous parler des désillusions, des drames, des joies, des rencontres, des doutes qui l'ont nourri. Mais au fond je ne "parlerai" jamais aussi sincèrement et aussi bien de tout cela qu'à travers les personnages de La Symphonie des rêves, sorte de kaléidoscope de toutes ces émotions qui vous feront voyager, d'Athènes à Venise, de Trouville à Nice, de Dinard à Cannes, de La Baule à Hydra, de Beaune à Paris, du Festival de Cannes au Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule, au rythme des élans musicaux et de leurs élans du cœur.

D'autres, aussi, en ont parlé magnifiquement, et je les remercie, tout particulièrement Dan Burcea pour son sublime article et sa magnifique analyse dans la revue littéraire Lettres Capitales, une chronique que vous pouvez lire, ici.

Retrouvez également mon interview sur le site littéraire A la lettre pour en savoir plus sur le roman, sa genèse, mes goûts cinématographiques, en matière de musiques de films...

Quelques avis de lecteurs, aussi (partagés avec leur accord) :

Merci à radio J pour l'invitation, et en particulier à Line Toubiana et Lise Gutman, les premières à avoir parlé de La Symphonie des rêves.

Enfin, les premières séances de dédicaces furent un bonheur, à la Librairie du Marché de Deauville, à la FNAC de Laval et à la Librairie du Cinéma du Panthéon de Paris que je remercie pour leur confiance.

Photo ci-dessus, copyright Dominique Saint

Retrouvez d'autres photos et vidéos des séances de dédicaces sur mon compte Instagram @Sandra_Meziere.

Pour la première fois, j’ai eu le grand plaisir de couvrir l'Arras Film Festival dont la 24ème édition a eu lieu du 3 au 12 novembre. Deux journées intenses qui m’ont permis de découvrir la richesse de la programmation et la convivialité exemplaire de cet évènement cinématographique incontournable. Bien sûr, impossible de parler d’Arras sans avoir une pensée pour Dominique Bernard, le professeur assassiné dans un lycée de cette ville le 13 octobre dernier. Si le festival a été maintenu malgré cette tragédie, elle était évidemment dans les esprits de tous, la soirée d’ouverture du festival ayant d’ailleurs été dédiée au professeur. Si le cinéma permet aussi souvent de s’évader de la réalité, les films que j’ai vus pendant ces quelques heures à Arras témoignaient de situations souvent âpres, de vies enfermées dans une réalité rude et insoluble. Cela ne m’a pas empêchée d’être totalement envoûtée par ce festival, accessible à tous, doublement ouvert avec une programmation aussi très axée sur les cinémas d’ailleurs (et pas seulement), et d’être également ensorcelée par cette ville particulièrement accueillante, véritable décor de cinéma, intemporel et fascinant,  avec ses deux splendides places baroques, son beffroi et sa citadelle classés au patrimoine mondial de l’Unesco comprenant au total 225 édifices protégés au titre des monuments historiques (rendez-vous sur mon compte instagram @Sandra_Meziere pour découvrir d'autres clichés de cette ville majestueuse). Ces 10 dernières années, le Grand Arras, terre de cinéma, a ainsi accueilli plusieurs tournages sur son territoire : Pas son genre de Lucas Belvaux en 2013, La prochaine fois je viserai le cœur de Cédric Anger en 2014, La Liste de mes envies de Didier Le Pêcheur en 2014, En Mai Fais ce qu’il te plait de Christian Caron en 2015, Je ne rêve que de vous de Laurent Heynemann en 2018, Le 15h17 pour Paris de Clint Eastwood en 2018, Effacer l’historique du duo Benoît Delépine / Gustave Kervern en 2019...

Le palmarès de cette édition (à découvrir en bas de cet article) est à l’image ce festival, celui de tous les cinémas, qui a pour objectif de promouvoir la diversité du cinéma, et plus particulièrement du cinéma européen, avec un savant mélange de films nouveaux et anciens, en présence de nombreux invités français et étrangers, de films populaires, d’œuvres exigeantes et de films que l’on ne voit nulle part ailleurs. Au programme : des avant-premières en présence des équipes des films, une compétition de films européens, une sélection d’œuvres fortes, drôles, décalées, proposées dans le cadre des sections Visions de l’Est, découvertes européennes et Cinémas du monde, 2 rétrospectives : Sales Bêtes et Drôles de Tchèques, une sélection jeune, des invités d'honneurs (Dominique Blanc, Agnieszka Holland, Matteo Garrone) ...110 films projetés sur 10 jours ! Parmi les cinéastes dont furent projetés les derniers films : Vincent Perez, Frédéric Tellier, Robert Guédiguian, Thierry Klifa, Monia Chokri, Thomas Bidegain, Luc Jacquet, Yorgos Lanthimos... Le festival s’est ouvert avec le film de Vincent Perez Une affaire d’honneur tandis que le film de Caroline Vignal, Iris et les hommes, l’a clôturé. J’ai pour ma part décidé de voir des films appartenant à différentes sections, projetés soit au Mégarama, soit dans le magnifique Casino d'Arras, et toujours présentés avec rigueur et enthousiasme par les membres de l'équipe du festival, et suivis de passionnants débats avec les équipes de films.

Parmi la large sélection de films français projetés en avant-première, j’ai découvert le nouveau film de Stéphane Demoustier, Borgo, qui sortira en salles le 17 avril 2024, qui nous tient en haleine de la première à la dernière seconde, un film signant le retour du cinéaste au cinéma après le complexe et palpitant La Fille au bracelet (2019). Borgo nous raconte l’histoire de Mélissa (Hafsia Herzi), surnommée Ibiza par les détenus, surveillante pénitentiaire expérimentée, qui s’installe en Corse avec ses deux jeunes enfants et son mari. Là, elle intègre les équipes d’un centre pénitentiaire pas tout à fait comme les autres dans lequel on dit que ce sont les prisonniers qui surveillent les gardiens et non l’inverse ! Si ce film a pour matériau de départ l'histoire vraie d’une surveillante pénitentiaire mise en cause dans le double assassinat de Poretta en 2017, et en particulier des comptes rendus lus dans la presse, le réalisateur s’est avant tout inspiré du personnage de la surveillante qu’il dépeint ici dans toute sa complexité comme il le fit pour la protagoniste de La fille au bracelet. Dans le film, son intégration est facilitée par Saveriu qui, tout en la protégeant à l’intérieur comme à l’extérieur de la prison, tisse peu à peu sa toile pour l'enfermer dans un piège inextricable. Fascinée, Mélissa ne voit pas le piège se refermer sur elle et la protection se transformer en emprise. Le film sonde l’âme du personnage et son basculement, sa proximité de plus en plus forte avec le monde mafieux, les rapports de force, le glissement progressif dont elle semble ne pas se rendre compte. La minutie de la reconstitution (notamment de la vie de la prison, fortement documentée), la tension constante (entre le racisme dont est victime le mari de Mélissa, et la prison où finalement elle semble mieux accueillie et protégée, avec parmi de nombreuses remarquables scènes celle où les prisonniers, d’une cellule à l’autre, chantent en son honneur, scène lors de laquelle le visage de la surveillante s’illumine, la joie et la fierté l’emportant sur le sérieux qu’imposent ses fonctions), l’interprétation magistrale de Hafsia Herzi mais aussi de tous les seconds rôles judicieusement choisis (notamment de nombreux acteurs insulaires), la musique de Philippe Sarde, le scénario particulièrement audacieux, jouant avec les temporalités et points de vue, en font un film d’une maîtrise impressionnante qui nous laisse ko lors de « l’évasion » finale, et certainement un des films qui fera beaucoup parler de lui en 2024. Lors du débat qui a succédé à la projection, le réalisateur a expliqué avoir voulu raconter « comment cette femme pouvait avoir une vie normale et comment « elle pouvait dans le même temps être partie prenante de crime organisé », que selon lui « le monstre n'existe pas » mais qu’il l’intéressait de comprendre « comment on peut commettre des actes monstrueux ». Il est également revenu sur l’idée formelle de départ avec la double narration, « au plus proche de sa subjectivité et en parallèle les images de vidéo surveillance prétendument incontestables alors que la vérité leur échappe » avec « ces caméras qui ont trop de points de vue pour avoir un intérêt. » Il a également évoqué ses cinéastes de prédilection, Clouzot, Hitchcock, mais aussi la différence entre la France et les Etats-Unis, où « on invente des mythes », tandis qu’en France il « faut être plus proche du réel ». Il a aussi expliqué avoir beaucoup enquêté sur le rapport de force en Corse. Enfin, il a loué les formidables qualités d’actrice de Hafsia Herzi, une « actrice qui ne triche jamais, ultra bosseuse, qui ne s’use jamais, qui aime qu’il y ait énormément de prises. »

Également dans le cadre des avant-premières françaises était projeté Rien à perdre de Delphine Deloget programmé dans la section Un Certain Regard du dernier Festival de Cannes, premier long-métrage de fiction de la documentariste (notamment lauréate du prix Albert-Londres 2015 dans la catégorie audiovisuel), là aussi un magnifique portrait de femme, prise au piège de mécanismes et d’une réalité qui la dépassent. Virginie Efira incarne ici Sylvie qui vit à Brest avec ses deux enfants, Sofiane et Jean-Jacques. Elle travaille dans un bar et le soir doit donc laisser ses enfants seuls. Une nuit, Sofiane se blesse alors qu’il est seul dans l’appartement : en voulant se faire des frites, il fait exploser la friteuse. Les services sociaux sont alertés et placent l’enfant en foyer, le temps de mener une enquête. C’est alors la cellule familiale qui explose, aussi. Persuadée d’être victime d’une erreur judiciaire, Sylvie se lance dans un combat pour récupérer son fils, persuadée qu’elle sera plus forte que la machine judiciaire… Primé à Deauville (du prix d’Ornano-Valenti) et à Angoulême (Prix des étudiants), ce film a également en commun avec celui de Stéphane Demoustier de nous tenir en haleine de la première à la dernière seconde, en empathie avec cette mère aimante et attentionnée à qui on enlève son enfant, qui révèle peu à peu ses zones d’ombre, parfois un peu d’inconscience, une vie de bohème, mais rien qui ne semble justifier l’inhumanité de l’institution à son égard et à l’égard de son enfant. Sous prétexte de le protéger d’une éventuelle maltraitance, le point de vue de l’enfant est nié, et ses troubles du comportement ne font alors que croître. Le film aborde cette réalité dans toute sa complexité, sans manichéisme, le passé de documentariste de Delphine Deloget servant sans aucun doute le long-métrage pour lui procurer cette humanité nuancée. Le film aborde aussi le thème de la séparation sous différents angles. L’aîné se cherche lui aussi, aspire à trouver son indépendance. Virginie Efira prouve une nouvelle fois l’étendue de son talent, éclatant dans les deux films projetés cette année à Cannes (l’autre était L’amour et les forêts de Valérie Donzelli su les violences psychologiques faites aux femmes.) Le film de Delphine Deloget met en exergue les dysfonctionnements d’une machine administrative rigide et implacable qui sous prétexte de ne pas passer à côté d’un cas de maltraitance broie les êtres qu’elle est censée protéger. Voir cette famille unie ainsi déchirée, la mère de famille peu à peu sombrer (et finalement par leur faute donner raison aux services sociaux), la surdité de l’administration (remarquable India Hair), ses deux frères (formidables Arieh Worthalter et Mathieu Demy) se démener pour l’aider, et le mal-être évident de l’enfant (et de son frère aîné à qui on essaie de faire avouer des blessures passées dont lui-même n’avait pas conscience) …tout cela touche en plein cœur. Un film poignant qui ouvre aussi le débat sur une réalité, comme le ferait un passionnant documentaire.

Dans le cadre des films produits en région, soutenus par Pictanovo avec la région Hauts-de-France était projeté Le bonheur est pour demain de Brigitte Sy, qui sortira en salles le 31 janvier 2024. Encore un film de femme(s) forte(s). Encore une histoire d’enfermement. Laetitia Casta incarne Sophie. Elle a un enfant, un conjoint, mais son quotidien lui semble désespérément plat, sans plaisir, sans envies. Jusqu’au jour où elle rencontre Claude (Damien Bonnard). Il est drôle, séduisant, intelligent. Elle tombe immédiatement sous le charme. Mais Claude n’est pas un prince charmant. C’est un braqueur. Or, au cours d’une attaque de banque, un homme est tué. Claude est arrêté et condamné à une lourde peine de prison. Ce qui aurait dû être la fin devient alors le début d’une histoire folle, passionnelle et sans limites. Soutenue par Lucie, la mère de Claude (Béatrice Dalle), Sophie ne renonce pas à son amour pour Claude. Elle est prête à aller jusqu’au bout. Quelles qu’en soient les conséquences. Troisième long-métrage de Brigitte Sy, Le Bonheur est pour demain regorge de références cinématographiques, de Tarantino à Beineix. L’ombre de la Betty de 37°2 le matin plane sur tout le début du film, dans l’allure de Sophie, dans son rôle en miroir avec celui de Lucie – Béatrice Dalle (leurs images même le temps d’un plan se superposent), avant qu’elle ne se débarrasse de ses apparats colorés, confrontée à la réalité carcérale. La première scène du film, dans ce café du nord, avec ce couple enlacé, cette atmosphère suintante de cinéma, la musique, exhalent la vie, la vitalité, comme Sophie, et nous embarque d’emblée dans l’univers si élégant et singulier de Brigitte Sy avec ses plans si soignés, baignés souvent d’une lumière irréelle (dans la première partie) comme surgis des fantasmagories de Sophie. A partir du moment où Claude lui enlève sa perruque, le gris gagne peu à peu du terrain sur les couleurs, la rudesse de la réalité les rattrape. Il faudra du temps à Sylvie pour comprendre que le bonheur n’est pas forcément dans l’espoir du lendemain, mais dans l’acceptation du présent, aussi différent soit-il de ses rêves. Laëtitia Casta irradie du premier au dernier plan, et malgré les invraisemblances, nous donne envie de suivre cette Sophie obstinément amoureuse et de croire à ce personnage passionnément vivant…

Dans le cadre des « toiles de maîtres » (avant-premières de films de grands maîtres du cinéma international) était projeté La zone d’intérêt de Jonathan Glazer, pour moi un chef-d’œuvre comme j’espère vous en convaincre ci-dessous.

Rarement un film m’aura autant bousculée, de la première à la dernière seconde, et hantée, des jours après. Cela commence par un écran noir, interminable, tandis que des notes lancinantes et douloureuses viennent déjà heurter notre tranquillité, nous avertir que la sérénité qui lui succèdera sera fallacieuse. La première scène nous donne à voir une image bucolique, celle d’une famille au bord d’une rivière par une journée éclatante. Celle de Rudolf Höss, commandant d’Auschwitz de 1940 à 1943, qui habite avec sa famille dans une villa avec jardin, juste derrière les murs du camp. À qui ignorerait l’histoire (et l’Histoire) et ne serait pas attentif, la vie de cette famille semblerait de prime abord presque « normale ». Un air de vacances et de gaieté flotte dans l’air. Les corps s’exhibent, en pleine santé. Pourtant c’est dans cette normalité, cette banalité que réside toute l’horreur, omniprésente, dans chaque son, chaque arrière-plan, chaque hors-champ. Cette zone d’intérêt, ce sont les 40 kilomètres autour du camp, ainsi qualifiés par les nazis. Une qualification qui englobe déjà le cynisme barbare de la situation. La biographie de Rudolf Höss avait inspiré La mort est mon métier de Robert Merle, puis le roman The Zone of Interest de Martin Amis (publié chez Calmann-Lévy en 2015) dont le film est adapté. Il décrit le quotidien de cet artisan de l’horreur avec Hedwig, son épouse et leurs cinq enfants.

Avant même le premier plan, ce qui nous interpelle, c’est le son, incessant, négation permanente de la banalité des scènes de la maisonnée. C’est le bruit d’un wagon. Ce sont des cris étouffés. Ce sont des coups de feu. Ce sont des aboiements. Ce sont ces ronronnements terrifiants et obsédants des fours crématoires. Mais c’est l’arrière-plan aussi qui teinte d’horreur tout ce qui se déroule au premier, cette indifférence criante qui nous révulse. C’est la vue de cette cheminée, juste au-dessus du jardin, dont une fumée noire s’échappe, sans répit. Ce sont les barbelés. C’est ce prisonnier qui s’affaire dans le jardin du Commandant. C’est la vue de ces trains qui ne cessent d’arrivée. Ce sont ces os que charrie la rivière. L’horreur est là, omniprésente, et pourtant insignifiante pour les occupants de la zone d’intérêt qui vivent là comme si de rien n’était, comme si la mort ne se manifestait pas à chaque seconde. La vie est là dans ce jardin, entre le père qui fume, les pépiements des oiseaux et les cris joyeux des enfants, éclaboussant de son indécente frivolité la mort qui sévit constamment juste à côté. La « banalité du mal » définie par Hannah Arendt représentée dans chaque plan.

Hedwig Höss se glorifie même d’être gratifiée du titre de « reine d’Auschwitz » par son mari. Hedwig est en effet très fière : de son statut, de ce qu’elle fait de sa maison, surtout de son jardin, avec sa serre et sa piscine. Son havre de paix au cœur de l’horreur absolue. Son mari est muté. Pour elle, l’horreur absolue s’inscrit cependant là : dans la perspective de devoir déménager de son « paradis ». Cette « zone d’intérêt » qu’elle ne quitterait pour rien au monde. Ce cliché de propagande nazie.

Claude Lanzmann (dont le documentaire Shoah, reste l’incontournable témoignage sur le sujet, avec également le court-métrage d’Alain Resnais, Nuit et brouillard) écrivit ainsi : « L’Holocauste est d’abord unique en ceci qu’il édifie autour de lui, en un cercle de flammes, la limite à ne pas franchir parce qu’un certain absolu de l’horreur est intransmissible : prétendre pourtant le faire, c’est se rendre coupable de la transgression la plus grave. » Le film de Glazer a cette intelligence-là : ne jamais montrer l’intransmissible. L’imaginer est finalement plus parlant encore. Ainsi, nous ne voyons rien de ce qui se déroule dans le camp mais nous le devinons. Nous ne voyons que des objets appartenant aux déportés qui contiennent en eux des destins tragiques et racontent la folie des hommes : un manteau de fourrure, des vêtements d'enfants, des bijoux, ou ce rouge à lèvres appartenant à une déportée qu’Hedwig s’applique soigneusement, et dans cette application en apparence insignifiante s’insinue le souffle glaçant de la mort qui la sous-tend. Le film adopte la retenue qui sied au sujet, au respect des victimes dont l’absence à l’image ne contribue pas à les nier mais n’est que le reflet de ce qu’elles étaient pour leurs bourreaux : des chiffres, des êtres dont on occultait sans état d'âme l'humanité. Le dénouement leur rend la lumière et la dignité. La Zone d’intérêt a été tourné à Auschwitz même, encore une fois avec ce souci, de respect des victimes et de fictionnaliser le moins possible. Pas d’esthétisation. Pas de lumière artificielle. Le sentiment de contemporanéité n’en est que plus frappant.

Sandra Hüller figurait au générique de deux films remarquables en compétition du Festival de Cannes 2023, puisqu’elle incarne aussi la Sandra de Anatomie d’une chute de Justine Triet, la palme d’or de cette édition. Révélée à Cannes en 2016 dans Toni Erdmann, dans le film de Justine Triet, elle est impressionnante d’opacité, de froideur, de maitrise, d’ambiguïté. Ici, dans le rôle d'Hedwig, elle est carrément glaçante. Elle se délecte à essayer un manteau de fourrure trop grand pour elle dont il est aisé de deviner l’origine. Elle distribue des vêtements à ses amis dont la provenance ne fait aucun doute là non plus. Elle est si fière d’être cette femme à la vie si privilégiée, clamant qu’elle a une vie « paradisiaque » dans ce jardin qu’elle montre avec orgueil à sa mère, comme cette chambre d’enfant où elle l’héberge, avec fenêtre sur les miradors et cheminées. Elle est monstrueuse dans l’apparente normalité de ses gestes et paroles, et laissant même éclater toute sa violence lorsqu’une assiette n’est pas là où elle doit être. Ou quand elle demande à « Rudolf » de l'« emmener encore dans ce spa italien »  tandis que rugissent les fours crématoires, et la mort, alors qu’elle ne pense qu’à jouir de la vie, sans scrupules.

Pour le Commandant (Christian Friedel), seule compte la fierté de servir le 3ème Reich. Obstinément. Des industriels viennent louer les qualités de leurs fours, comme s’il s’agissait d’un quelconque produit industriel. Comment ne pas avoir la nausée devant l’ignominieuse distance et l’abominable froideur avec lesquelles ils discutent des modalités de la solution finale et du principe d’un "four crématoire circulaire" ? Les réunions des directeurs de camps sont aussi nauséeuses dans leur apparence ordinaire. Il est question d’efficacité, de rendement, de logistique. Comme si rien de tout cela ne concernait des êtres humains, et leur mort atroce.

 Une folie qui semble contaminer jusqu’aux enfants quand l’un enferme son frère dans la serre. On pense alors au chef-d’œuvre de Michael Haneke, Le ruban blanc. Ce ruban blanc, dans le film d’Haneke, c’est le symbole d’une innocence ostensible qui dissimule la violence la plus insidieuse et perverse. Ce ruban blanc, c’est le signe ostentatoire d’un passé et de racines peu glorieuses qui voulaient se donner le visage de l’innocence. Ce ruban blanc, c’est le voile symbolique de l’innocence qu’on veut imposer pour nier la barbarie, et ces racines du mal qu’Haneke nous fait appréhender avec effroi par l’élégance moribonde du noir et blanc. Ces châtiments que la société inflige à ses enfants en évoquent d’autres que la société infligera à plus grande échelle, qu’elle institutionnalisera même pour donner lieu à l’horreur suprême, la barbarie du XXème siècle. Cette éducation rigide va enfanter les bourreaux du XXème siècle dans le calme, la blancheur immaculée de la neige d’un petit village a priori comme les autres. La forme, comme dans le film de Glazer, démontre alors toute son intelligence, elle nous séduit d’abord pour nous montrer toute l’horreur qu’elle porte en elle et dissimule à l’image de ceux qui portent ce ruban blanc.

Je ne saurais citer un autre film dans lequel le travail sur le son est aussi impressionnant que dans La Zone d’intérêt, la forme sonore tellement au service du fond (parmi les films récents, je songe au long-métrage de Vincent Maël Cardona,  Les Magnétiques mais le sujet est à des années-lumière de celui du film de Glazer) : cette dichotomie permanente entre ce vacarme et l’indifférence qu’il suscite. Ce grondement incessant qui nous accompagne des jours après. Les musiques composées par Mica Levi et les sons du concepteur sonore Johnnie Burn sont pour beaucoup dans la singularité de cette œuvre et dans sa résonance. Ces dissonances qui constamment nous rappellent que tout cela n'a rien de normal, qui nous oppressent. Et au cas où nous aurions souhaité occulter ce que ces sons représentent, ce qui se joue là, derrière les discussions sur la façon d’agencer le jardin ou les jeux des enfants, un écran brusquement rouge vient nous heurter, comme un écho à l’écran noir du début, nous signifiant bien que ce paradis bucolique masque un enfer, que le vert qui envahit l’écran n’est là que pour masquer le rouge qui déferle à quelques mètres. Seules des parenthèses en négatif laissent éclater un peu d’humanité (lueur d’espoir apparaissant alors comme irréalité au milieu de cette inconcevable réalité), et peut-être le départ anticipé de la mère d’Hedwig avec un mot dont nous ne connaîtrons pas la teneur et dont on a envie de croire qu'il dénonce l'horreur, et qui pourtant a elle aussi profité des déportés, en l’occurrence ses anciens patrons. C’est tout. Pas d'autre lueur d'espoir.

En 2015, avec Le Fils de Saul, László Nemes nous immergeait dans le quotidien d'un membre des Sonderkommandos, en octobre 1944, à Auschwitz-Birkenau. Saul Ausländer est alors membre de ce groupe de prisonniers juifs isolé du reste du camp et forcé d’assister les nazis dans leur plan d’extermination. Il travaille dans l’un des crématoriums où il est chargé de « rassurer » les Juifs qui seront exterminés et qui ignorent ce qui les attend, puis de nettoyer… quand il découvre le cadavre d’un garçon en lequel il croit ou veut croire reconnaître son fils. Tandis que le Sonderkommando prépare une révolte (la seule qu’ait connue Auschwitz), il décide de tenter l’impossible : offrir une véritable sépulture à l’enfant afin qu’on ne lui vole pas sa mort comme on lui a volé sa vie, dernier rempart contre la barbarie. La profondeur de champ, infime, renforce cette impression d’absence de lumière, d’espoir, d’horizon, nous enferme dans le cadre avec Saul, prisonnier de l’horreur absolue dont on a voulu annihiler l’humanité mais qui en retrouve la lueur par cet acte de bravoure à la fois vain et nécessaire, son seul moyen de résister. Que d’intelligence dans cette utilisation du son, de la mise en scène étouffante, du hors champ, du flou pour suggérer l’horreur ineffable, ce qui nous la fait d’ailleurs appréhender avec plus de force encore que si elle était montrée. László Nemes s’est beaucoup inspiré de Voix sous la cendre, un livre de témoignages écrit par les Sonderkommandos eux-mêmes.

Avec le plus controversé La vie est belle, Benigni a lui opté pour le conte philosophique, la fable pour démontrer toute la tragique et monstrueuse absurdité à travers les yeux de l’enfance, de l’innocence, ceux de Giosué. Benigni ne cède pour autant à aucune facilité, son scénario et ses dialogues sont ciselés pour que chaque scène « comique » soit le masque et le révélateur de la tragédie qui se « joue ». Bien entendu, Benigni ne rit pas, et à aucun moment, de la Shoah mais utilise le rire, la seule arme qui lui reste, pour relater l’incroyable et terrible réalité et rendre l’inacceptable acceptable aux yeux de son enfant. Benigni cite ainsi Primo Levi dans Si c’est un homme qui décrit l’appel du matin dans le camp. « Tous les détenus sont nus, immobiles, et Levi regarde autour de lui en se disant : “Et si ce n’était qu’une blague, tout ça ne peut pas être vrai…” C’est la question que se sont posés tous les survivants : comment cela a-t-il pu arriver ? ». Tout cela est tellement inconcevable, irréel, que la seule solution est de recourir à un rire libérateur qui en souligne le ridicule. Le seul moyen de rester fidèle à la réalité, de toute façon intraduisible dans toute son indicible horreur, était donc, pour Benigni, de la styliser et non de recourir au réalisme. Quand il rentre au baraquement, épuisé, après une journée de travail, il dit à Giosué que c’était « à mourir de rire ». Giosué répète les horreurs qu’il entend à son père comme « ils vont faire de nous des boutons et du savon », des horreurs que seul un enfant pourrait croire mais qui ne peuvent que rendre un adulte incrédule devant tant d’imagination dans la barbarie (« Boutons, savons : tu gobes n’importe quoi ») et n’y trouver pour seule explication que la folie (« Ils sont fous »). Benigni recourt à plusieurs reprises intelligemment à l’ellipse comme lors du dénouement avec ce tir de mitraillette hors champ, brusque, violent, où la mort terrible d’un homme se résume à une besogne effectuée à la va-vite. Les paroles suivantes le « C’était vrai alors » lorsque Giosué voit apparaître le char résonne alors comme une ironie tragique. Et saisissante.

Autre approche encore que celle de La Liste de Schindler de Spielberg dont le scénario sans concessions au pathos de Steven Zaillian, la photographie entre expressionnisme et néoréalisme de Janusz Kaminski (splendides plans de Schindler partiellement dans la pénombre qui reflètent les paradoxes du personnage), l’interprétation de Liam Neeson, passionnant personnage, paradoxal, ambigu et humain à souhait, et face à lui, la folie de celui de Ralph Fiennes, la virtuosité et la précision de la mise en scène (qui ne cherche néanmoins jamais à éblouir mais dont la sobriété et la simplicité suffisent à retranscrire l’horrible réalité), la musique poignante de John Williams par laquelle il est absolument impossible de ne pas être ravagé d'émotions à chaque écoute (musique solennelle et austère qui sied au sujet -les 18 premières minutes sont d’ailleurs dénuées de musique- avec ce violon qui larmoie, voix de ceux à qui on l’a ôtée, par le talent du violoniste israélien Itzhak Perlman, qui devient alors, aussi, le messager de l’espoir), et le message d’espérance malgré toute l’horreur en font un film bouleversant et magistral. Et cette petite fille en rouge que nous n'oublierons jamais, perdue, tentant d’échapper au massacre (vainement) et qui fait prendre conscience à Schindler de l’individualité de ces juifs qui n’étaient alors pour lui qu’une main d’œuvre bon marché. 

Avec The Zone of Interest, Jonathan Glazer prouve d’une nouvelle manière, singulière, puissante, audacieuse et digne, qu’il est possible d’évoquer l’horreur sans la représenter frontalement, par des plans fixes, en nous en montrant le contrechamp, reflet terrifiant de la banalité du mal, non moins insoutenable, dont il signe une démonstration implacable. Cette image qui réunit dans chaque plan deux mondes qui coexistent et dont l’un est une insulte permanente à l’autre est absolument effroyable.  Si cette famille nous est montrée dans sa quotidienneté, c’est avant tout pour nous rappeler que la monstruosité peut porter le masque de la normalité. L’intelligence réside aussi dans la fin, qui avilit le monstre et le fait tomber dans un néant insondable tandis que nous restent les images de ce musée d’Auschwitz dans lequel s’affairent des femmes de ménage, au milieu des amas des valises, de chaussures et de vêtements, et des portraits des victimes. C’est d’eux dont il convient de se souvenir. De ces plus de cinq millions de morts tués, gazés, exterminés, parfois par des journées cyniquement ensoleillées. Un passé si récent comme nous le rappellent ces plans de la maison des Höss aujourd’hui transformée en mémorial. Une barbarie passée contre la résurgence de laquelle nous avons encore trop peu de remparts. Le film s’achève par un écran noir accompagné d’une musique lugubre, là pour nous laisser le temps d’y songer, de nous souvenir, de respirer après cette plongée suffocante, et de reprendre nos esprits et notre souffle face à l’émotion qui nous submerge. Un choc cinématographique. Un choc nécessaire. Pour rester en alerte. Pour ne pas oublier les victimes de l’horreur absolue mais aussi que le mal peut prendre le visage de la banalité. Un film brillant, glaçant, marquant, incontournable. Avec ce quatrième long-métrage (après Sexy Beast, Birth, Under the skin) Jonathan Glazer a apporté sa pierre à l'édifice mémoriel. De ce film, vous ne ressortirez pas indemnes. Vous ne pourrez pas (l') oublier. Voyez-le, impérativement.

La Zone d'intérêt de Jonathan Glazer sortira sur les écrans français le 31 janvier 2024.

La compétition européenne constitue un des temps forts de ce festival. Parmi les 9 longs-métrages en lice figurait Slow de Mariga Kavtaradze, lauréat du prix Regards Jeunes. Vivre une relation d’amour sans sexe est impensable pour la danseuse Elena. Pourtant, elle se retrouve confrontée à cette situation lorsqu’elle rencontre Dovydas, interprète en langue des signes. En effet, celui-ci est asexuel. Leur intense complicité sera-t-elle suffisante pour continuer à vivre ensemble ? Cette histoire d’amour, touchante, remplie de silence, de douceur, de salutaire lenteur mais aussi d'énergie et de bienveillance, était déjà en lice dans la compétition internationale du Festival du Sundance. Filmée en 16mm, elle semble tout droit échappée d’un songe, auréolée d’une tendre nostalgie, mettant en exergue les sensations, celle d’une danse, le ballet du couple, des cœurs et des corps, le tout porté par les compositions romantiques d’Irya Gmeyner. La réalisatrice filme ainsi comme un ballet les différentes étapes de l’histoire du couple avec des scènes d’une beauté troublante comme lorsque Elena et Dovydas dansent en miroir : poétique parade amoureuse. Marija Kavtaradze  chorégraphie et filme d’ailleurs les scènes de danse comme des scènes d’amour (qui, elles, ouvrent et clôturent le film), au plus près des corps, des souffles, de la sueur, des vertiges, des expressions extatiques, comme un prolongement de l’histoire de ce duo atypique, et de leur parenthèse enchantée ou « endansée ».

Dans la section « Cinémas du monde », après le film lituanien précité, j’ai découvert le labyrinthique A man du Japonais Kei Ishikawa qui fut présenté à la Mostra de Venise 2022. Après avoir divorcé, Rie a trouvé le bonheur auprès de son second mari, Daisuke, rencontré dans sa papeterie où il lui dévoile ses dessins.  Mais lorsque celui-ci meurt accidentellement, elle apprend qu’il n’était pas l’homme qu’elle croyait et fait appel à un avocat pour découvrir sa véritable identité. Là aussi, comme dans le film de Brigitte Sy, il est question de miroirs. A Man commence sur La reproduction interdite, le tableau de René Magritte qui représente un homme de dos, face à un miroir ne reflétant pas son visage. Tout est dit. Dans ce film, personne ne dévoile son vrai visage, personne n’est qui il semble être. Le faux Daisuke a ainsi une peur maladive des miroirs, incapable d’y croiser son regard. Ce thriller captivant interroge les identités et les origines, souvent cadenassées dans cette société japonaise très ancrée dans les traditions confrontée à des enjeux contemporains. Chaque personnage est donc en quête de son identité : Rie qui doit savoir qui était celui qu’elle appelle désormais « monsieur X » à qui elle a été mariée, Kido l’avocat qu’elle engage pour enquêter sur la véritable identité de son époux décédé et qui tente de dissimuler ses origines coréennes, le jeune fils de Rie, Yuto. Dans ce bal des apparences, chacun avance finalement masqué, que ce soit professionnellement ou personnellement. Avec son scénario sinueux et pourtant limpide dans lequel chaque personnage existe, son contexte sociétale, sa mise en scène qui se joue des miroirs et des ombres et des reflets, A man est autant une (en)quête d'identité qu’un thriller social, avec plusieurs strates de lecture à l’image des personnages qui  le composent, d'une réjouissante complexité.

Enfin, dans la section « découvertes européennes » était projeté Scrapper de la Britannique Charlotte Regan qui suit ici le destin d’une adolescente confrontée à l’absence de l’un de ses parents. Banlieue de Londres. Géorgie 12 ans vit seule depuis la mort de sa mère. Elle se débrouille au quotidien pour éloigner les travailleurs sociaux, raconte qu’elle vit avec un oncle, gagne de l’argent en faisant un trafic de vélo avec son ami Ali.  Cet équilibre fonctionne jusqu’à l’arrivée de Jason, un jeune homme qu’elle ne connait pas et se présente comme étant son père. Ce sont au fond deux adolescents qui vont se sauver l’un l’autre. Et que l’imagination va sauver. Entre la revente des vélos qu’elle vole, ses échanges téléphoniques avec les travailleurs sociaux auxquels Georgie parvient à faire croire qu’elle est prise en charge par son oncle (imaginaire) qu’elle nomme…Churchill, mais aussi des personnages secondaires mis en scène comme dans un cartoon coloré, là aussi pour dédramatiser, Scrapper est une ode à l’imagination, à l’utopie, et donc finalement au cinéma, pleine de douceur, de fantaisie et d'espoir sur lesquels il était salutaire de terminer cette instructive et jubilatoire découverte du formidable Arras Film Festival.

 Avant de vous parler du Festival du Cinéma Américain de Deauville en direct duquel je serai à partir de demain, je vous présente le programme du Dinard Festival du Film Britannique 2023 dont la conférence de presse a eu lieu ce matin, un festival qui demeure un rendez-vous cinématographique incontournable, convivial, très accessible, à la programmation exigeante, un festival auquel j’assiste régulièrement depuis ma participation à son jury en 1999, alors sous la présidence de l’irremplaçable Jane Birkin (ma lettre ouverte à cette dernière à lire ici). Je vous le recommande, d'autant plus que cette année, une fois de plus, le programme s'annonce alléchant.

Du 27 septembre au 1er octobre aura ainsi lieu la 34ème édition du Dinard Festival du Film Britannique. La 33ème édition, dont vous pouvez lire mon compte rendu ici, avait couronné Emily de Frances O'Connor (à redécouvrir dans le cadre du pré-festival cette année, ma critique complète en bas de cet article). Un film au romantisme sombre, envoûtant, parsemé de références au roman mythique d'Emily Brontë (entre embardées dans le genre fantastique - dont une remarquable scène de dîner qui est aussi un hommage à la force poignante et dévastatrice de l’imaginaire - et relation tumultueuse et passionnelle avec son frère) et qui interroge intelligemment les rapports entre la fiction et la vie d'un (ou une) auteur(e), la part de vérité qu’elle ou il y puise pour nourrir son art, qu’il s’agisse de s’y sauver ou de s’y perdre.

Alors que les salles de cinéma subissent une baisse dramatique du nombre d’entrées, plus que jamais, je souhaite vous faire découvrir ici des pépites cinématographiques, que ce soit en sortant des sentiers battus ou en vous parlant des films dits populaires, en restant toujours fidèle à mon credo : n’évoquer que les films qui m’ont enthousiasmée, vous (re)donner le goût de la curiosité et de la découverte en salles, ce à quoi incite tout particulièrement l’Arras Film Festival qui s’intéresse à toutes les formes de cinéma comme le démontre son foisonnant programme que je vous détaille ci-dessous.

 Après le Dinard Festival du Film Britannique (dont vous pouvez lire mon compte-rendu, ici), je vous donne ainsi rendez-vous le mois prochain pour l’Arras Film Festival qui aura lieu du 4 au 13 novembre 2022.  

Pour cette 23ème édition, 120 longs métrages, dont 80 inédits ou avant-premières, seront projetés. Je me réjouis tout particulièrement de (vous faire) découvrir ce festival à la programmation très riche, qu’il s’agisse des avant-premières les plus attendus ou de films européens méconnus. Ce festival a en effet pour objectif de promouvoir la diversité du cinéma, et plus particulièrement du cinéma européen qui « joue un rôle essentiel dans la diffusion et la promotion des films, l’émergence de jeunes talents et l’éducation aux images. »

Pendant 10 jours, chaque année, ce sont près de 50000 spectateurs, et plus de 500 professionnels et journalistes venus de toute l’Europe qui assistent au festival. Au programme : un  « savant mélange de films populaires, d’œuvres exigeantes et de films que l’on ne voit nulle part ailleurs » :

- des avant-premières en présence des équipes parmi lesquelles les très tentants derniers films de : Philippe Lioret, Eric Lartigau, Clovis Cornillac (le très attendu Couleurs de l’incendie, adaptation du livre éponyme de Pierre Lemaitre, suite de la saga initiée par Au revoir là-haut), Bruno Chiche (Maestro(s)), Roschdy Zem, Gad Elmaleh, Rachid Bouchareb, Anne Le Ny…

- des avant-premières « toiles de maîtres », des films de grands maîtres du cinéma international présentés en avant-première dont Les Banshees d’Inisherin de Martin McDonagh (Une fable tantôt caustique, tantôt tragique, constamment déroutante dont je vous parle ici) mais encore The lost king de Stephen Frears...

- des avant-premières de films tournés dans la région des Hauts-de-France dont Le Prix du passage de Thierry Binisti, cinéaste dont je vous parle souvent ici qui a notamment réalisé le sublime Une bouteille à la mer, ou encore Saint Omer d’Alice Diop (Lion d'argent de la Mostra de Venise 2022), Un hiver en été de Laetitia Masson, La guerre des Lulus de Yann Samuell...

 - une compétition de films européens projetés pour la première fois en France, 9 longs-métrages en présence des réalisateurs et producteurs en provenance de Hongrie, Slovaquie, Pologne, Serbie, Roumanie, Belgique, Ukraine, République tchèque…

-  une sélection d’œuvres fortes, drôles, parfois même décalées, proposées dans le cadre des sections Visions de l’Est, des avant-premières ou des films inédits provenant de pays d’Europe centrale ou orientale...

- des découvertes européennes, une sélection de longs-métrages inédits ou en avant-première pour mettre en valeur les nouveaux talents du cinéma européen, l’occasion notamment de découvrir Corsage de Marie Kreutzer, primé du Prix de la Meilleure création sonore du Festival de Cannes 2022  ou encore The quiet girl de Colm Bairead qui a atteint des sommets au box-office britannique...

-  mais aussi un focus sur le cinéma espagnol avec une sélection de longs-métrages en avant-première ou inédits pour mettre en valeur les talents du cinéma espagnol actuel...

- des perspectives du cinéma français avec une sélection de longs-métrages inédits ou en avant-première pour mettre en valeur les nouveaux talents du cinéma français avec, notamment, Amore mio de Guillaume Gouix...

- et Cinémas du monde : une sélection de longs-métrages pour découvrir d’autres cultures et approcher les problématiques du monde actuel avec des films en provenance du Japon, du Chili, de Turquie ou d’Algérie avec le dernier film de Mounia Meddour, Houria,...

- Les enfants et les familles ne sont pas oubliés avec de belles avant-premières, ainsi que des animations ludiques et pédagogiques, certaines s’adressant tout particulièrement aux établissements scolaires...

- une rétrospective de 12 films sur le thème Victoria, une Reine, un Empire avec des œuvres aussi formidables et diverses que Oliver Twist de David Lean, Khartoum de Basil Darden, L’homme qui voulut être roi de John Houston, Elephant man de David Lynch, Confident royal de Stephen Frears...

- une sélection de grands chefs-d’œuvre d’Europe de l’Est proposés dans le cadre des 70 ans de la revue Positif comme Cendres et diamants de Wajda, Le temps des Gitans de Kusturica ou encore 4 mois, 3 semaines, 2 jours de Cristian Mungiu...

- des ciné-concerts avec notamment Paris qui dort de René Clair, en version restaurée par la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé accompagnée par l’Ensemble Ciné-Concert du Conservatoire d’Arras sous la direction de Jacques Cambra...

- mais aussi une programmation pour les professionnels  avec :

      - les Arras days, plateforme de coproduction au concept atypique et innovant dont la 11ème édition aura lieu les 12 et 13 novembre avec, notamment, une table ronde co-organisée avec l’ARP, l'ACAP et Pictanovo sur le thème de « L’aventure du premier film », le samedi 12 novembre de 10h à 11h.

        - la 16ème édition des rencontres professionnelles du Nord, du 8 au 10 novembre 2022. Près de 200 professionnels français et belges réunis pendant trois jours, plus de 10 projections de films en avant-première en présence des réalisateurs et des équipes, des présentations de line-up par les distributeurs, des moments d’échanges et de convivialité… Ce rendez-vous annuel unique au nord de Paris est proposé avec la Chambre Syndicale des cinémas du Nord-Pas de Calais. Inscriptions en ligne sur : www.lesrencontresprodunord.fr.

-Et enfin L'AFF passe son BAC. Lundi 7 novembre, de 9h30 à 17h. Pour la sixième année consécutive, l’Arras Film Festival, en partenariat avec le Rectorat de l’Académie de Lille, offre un stage pédagogique aux élèves de Première et Terminale des classes « L » et leurs enseignants, centré sur le film entrant au baccalauréat : LES VITELLONI de Federico Fellini (Italie, 1953).

 Valérie Donzelli sera l’invité d’honneur de cette 23ème édition et sera la cinquième actrice-réalisatrice consécutive invitée d’honneur. Elle donnera une masterclass le jeudi 10 novembre, à l’Université d’Artois. Seront par ailleurs présentés  une sélection de films représentant sa carrière d'actrice, ses 5 longs métrages en tant que réalisatrice, et sa série Nona et ses filles.

Thomas Lilti, présidera le jury Atlas qui décernera l’Atlas d’or et l’Atlas d’argent parmi une sélection de films européens en compétition. Il sera  accompagné de Alix Poisson, Finnegan Oldfield, India Hair, Patrick Sobelman.

PROGRAMME COMPLET 

Film d’ouverture

CHOEUR DE ROCKERS de Ida Techer et Luc Bricault avec Mathilde Seigner, Bernard Le Coq, Anne Benoit, Andréa Ferréol, Brigitte Roüan, Myriam Boyer ouvrira le festival.

Film de clôture

MON HÉROINE de Noémie Lefort (avec Pascale Arbillot, Louise Coldefy, Brigitte Fossey, Firmine Richard)  sera projeté en clôture.

Avant-premières

16 ANS DE PHILIPPE LIORET

ANNIE COLÈRE DE BLANDINE LENOIR

L'ASTRONAUTE DE NICOLAS GIRAUD

C'EST MON HOMME DE GUILLAUME BUREAU

CET ÉTÉ-LÀ DE ERIC LARTIGAU

COULEURS DE L'INCENDIE DE CLOVIS CORNILLAC

DE GRANDES ESPÉRANCES DE SYLVAIN DESCLOUS

EN PLEIN FEU DE QUENTIN REYNAUD

LA GRANDE MAGIE DE NOÉMIE LVOVSKY

MAESTRO(S) DE BRUNO CHICHE

LES MIENS DE ROSCHDY ZEM

NOS FRANGINS DE RACHID BOUCHAREB

PLUS QUE JAMAIS DE EMILY ATEF

POUR LA FRANCE DE RACHID HAMI

RESTE UN PEU DE GAD ELMALEH

LES SURVIVANTS DE GUILLAUME RENUSSON

LES TÊTES GIVRÉES DE STÉPHANE CAZÈS

TOI NON PLUS TU N'AS RIEN VU DE BÉATRICE POLLE

LE TORRENT DE ANNE LE NY

AVANT-PREMIÈRES Toiles de maîtres

DES FILMS DE GRANDS MAÎTRES DU CINÉMA INTERNATIONAL PRÉSENTÉS EN AVANT-PREMIÈRE

LES BANSHEES D’INISHERIN DE MARTIN MCDONAGH

THE LOST KING DE STEPHEN FREARS

MES RENDEZ-VOUS AVEC LÉO DE SOPHIE HYDE

AVANT-PREMIÈRES Films produits en région

FILMS SOUTENUS PAR PICTANOVO AVEC L'AIDE DE LA RÉGION HAUTS-DE-FRANCE.

LES PIRES DE LISE AKOKA ET ROMANE GUERET

LE PRIX DU PASSAGE DE THIERRY BINISTI

SAINT OMER D'ALICE DIOP

UN HIVER EN ÉTÉ DE LAETITIA MASSON

LA GUERRE DES LULUS DE YANN SAMUELL

TEMPÊTE DE CHRISTIAN DUGUAY

COMPÉTITION EUROPÉENNE

9 LONGS-MÉTRAGES À DÉCOUVRIR EN EXCLUSIVITÉ EN PRÉSENCE DES RÉALISATEURS ET DES PRODUCTEURS

IL BOEMO DE PETR VÁCLAV

RÉPUBLIQUE TCHÈQUE / ITALIE / SLOVAQUIE

L'HOMME LE PLUS HEUREUX DU MONDE DE TEONA STRUGAR MITEVSKA

MACÉDOINE DU NORD

MEN OF DEEDS DE PAUL NEGOESCU

ROUMANIE

LUXEMBOURG, LUXEMBOURG DE ANTONIO LUKIC

UKRAINE

NOWHERE DE PETER MONSAERT

Belgique

SIX WEEKS DE NOÉMI VERONIKA SZAKONYI

HONGRIE

WOLKA DE ÁRNI ÓLAFUR ÁSGEIRSSON

ISLANDE, POLOGNE

WORKING CLASS HEROES DE MILOŠ PUŠIĆ

SERBIE

VISIONS DE L'EST

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE PROVENANT DES PAYS D'EUROPE CENTRALE ET ORIENTALE

AFTER THE WINTER DE IVAN BAKRAC

MONTÉNÉGRO 

KLONDIKE DE MARYNA ER GORBACH

UKRAINE

METRONOM DE ALEXANDRU BELC

ROUMANIE

MIKADO DE EMANUEL PARVU

ROUMANIE

MOJA VESNA DE SARA KERN

SLOVÉNIE, AUSTRALIE

NATURAL LIGHT DE DÉNES NAGY

HONGRIE

Classiques

NOUS ÉTIONS JEUNES DE BINKA ZHELYAZKOVA

BULGARIE | 1961

LA PASSAGÈRE DE ANDRZEJ MUNK A

POLOGNE | 1961-1963

DÉCOUVERTES EUROPÉENNES

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE POUR METTRE EN VALEUR LES NOUVEAUX TALENTS DU CINÉMA EUROPÉEN

AILLEURS SI J'Y SUIS DE FRANÇOIS PIROT

Belgique

LA CONFÉRENCE DE MATTI GESCHÖNNECK

Allemagne

CORSAGE DE MARIE KREUTZER

AUTRICHE, LUXEMBOURG, ALLEMAGNE, France

DALVA DE EMMANUELLE NICOT

BELGIQUE, France

GODLAND DE GABRIELE MUCCINO

ISLANDE, DANEMARK, FRANCE, SUÈDE

NOSTALGIA DE MARIO

Italie

THE QUIET GIRL DE COLM BAIRÉAD

Irlande

RABIYE KURNAZ VS. GEORGE W. BUSH DE ANDREAS DRESEN

ALLEMAGNE, France

SICK OF MYSELF DE KRISTOFFER BORGLI

NORVÈGE

ONE IN A MILLION UN DOCUMENTAIRE DE JOYA THOMES 

Allemagne

DÉCOUVERTES EUROPÉENNES Focus sur le cinéma espagnol

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE POUR METTRE EN VALEUR LES TALENTS DU CINÉMA ESPAGNOL ACTUEL

JOSEFINA DE JAVIER MARCO

NOS SOLEILS DE CARLA SIMÓN

LES TOURNESOLS SAUVAGES DE JAIME ROSALES

DÉCOUVERTES EUROPÉENNES Perspectives du cinéma français

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES INÉDITS OU EN AVANT-PREMIÈRE POUR METTRE EN VALEUR LES NOUVEAUX TALENTS DU CINÉMA FRANÇAIS

AMORE MIO DE GUILLAUME GOUIX

BRILLANTES DE SYLVIE GAUTIER

LA MONTAGNE DE THOMAS SALVADOR

CINÉMAS DU MONDE

UNE SÉLECTION DE LONGS-MÉTRAGES POUR DÉCOUVRIR D'AUTRES CULTURES ET APPROCHER LES PROBLÉMATIQUES DU MONDE ACTUEL

BLANQUITA DE FERNANDO GUZZONI

CHILI

BURNING DAYS DE EMIN ALPER

TURQUIE

LA FAMILLE ASADA DE RYÔTA NAKANO

JAPON

HOURIA DE MOUNIA MEDDOUR

ALGÉRIE

JOYLAND DE SAIM SADIQ

PAKISTAN

LE PIÈGE DE HUDA DE HANY ABU-ASSAD

PALESTINE

FESTIVAL DES ENFANTS

UNE SÉLECTION D’AVANT-PREMIÈRES POUR LES PLUS JEUNES

DOUNIA ET LA PRINCESSE D'ALEP DE MARYA ZARIF, ANDRÉ KADI

CANADA, France

ERNEST ET CELESTINE : LE VOYAGE EN CHARABIE DE JULIEN CHHENG, JEAN-CHRISTOPHE ROGER

France

LA GUERRE DES LULUS DE YANN SAMUELL

France

INTERDIT AUX CHIENS ET AUX ITALIENS DE ALAIN UGHETTO

FRANCE, ITALIE, BELGIQUE, SUISSE, Portugal

NENEH SUPERSTAR DE RAMZI BEN SLIMAN

France

OPÉRATION PÈRE NOËL DE MARC ROBINET

France

PIRO PIRO DE MIN SUNG AH, BAEK MIYOUNG

CORÉE | PROGRAMME DE 6 COURTS MÉTRAGES

TEMPÊTE DE CHRISTIAN DUGUAY

France

VIVE LE VENT D'HIVER ! DE MILEN VITANOV, MĀRA LINIŅA, BRITT RAES, ALEKSEY POCHIVALOV, MARINA MOSHKOVA

ALLEMAGNE, LETTONIE, BELGIQUE, RUSSIE 

PROGRAMME DE 5 COURTS MÉTRAGES

MA PREMIÈRE SÉANCE A PARTIR DE 18 MOIS

RETROSPECTIVE VICTORIA, UNE REINE, UN EMPIRE

Le règne de Victoria 1ère, qui dura de 1837 à 1901, fut marqué par une impressionnante expansion de l’Empire britannique, devenu la première puissance mondiale, et par la révolution industrielle, période de grand changement social, économique et technologique. Cette rétrospective de 12 films propose un regard contrasté sur une époque où le meilleur pouvait côtoyer le pire.

OLIVER TWIST DE DAVID LEAN AVEC ROBERT NEWTON, ALEC GUINNESS, JOHN HOWARD DAVID, KAY WALSH 1H56 | GB | 1948

ZOULOU DE CY ENDFIELD AVEC STANLEY BAKER, MICHAEL CAINE, JACK HAWKINS, ULLA JACOBSSON 2H18 | GB | 1964

SHERLOCK HOLMES CONTRE JACK L'ÉVENTREUR DE JAMES HILL AVEC JOHN NEVILLE, DONALD HOUSTON, JOHN FRASER, ANTHONY QUAYLE 1H35 | GB | 1965

KHARTOUM DE BASIL DEARDEN AVEC CHARLTON HESTON, LAURENCE OLIVIER, RICHARD JOHNSON, RALPH RICHARDSON 2H14 | GB | 1966

LA CHARGE DE LA BRIGADE LÉGÈRE DE TONY RICHARDSON AVEC DAVID HEMMINGS, TREVOR HOWARD, VANESSA REDGRAVE, JOHN GIELGUD 2H19 | GB | 1968

L’HOMME QUI VOULUT ÊTRE ROI DE JOHN HUSTON AVEC SEAN CONNERY, MICHAEL CAINE, CHRISTOPHER PLUMMER 2H09 | GB | 1975

L’ULTIME ATTAQUE DE DOUGLAS HICKOX AVEC BURT LANCASTER, PETER O’TOOLE, SIMON WARD, DENHOLM ELLIOTT 1H53 | GB | 1979

ELEPHANT MAN DE DAVID LYNCH AVEC JOHN HURT, ANTHONY HOPKINS, ANNE BANCROFT, JOHN GIELGUD 2H03 | GB-USA | 1980

AUX SOURCES DU NIL DE BOB RAFELSON AVEC PATRICK BERGIN, IAIN GLEN, RICHARD E. GRANT, FIONA SHAW 2H16 | USA-GB | 1990

LA DAME DE WINDSOR DE JOHN MADDEN AVEC JUDI DENCH, BILLY CONNOLLY, GEOFFREY PALMER, ANTHONY SHER 1H45 | GB | 1997

VICTORIA, LES JEUNES ANNÉES D'UNE REINE DE JEAN-MARC VALLÉE AVEC EMILY BLUNT, RUPERT FRIEND, PAUL BETTANY, MIRANDA RICHARDSON, JIM BROADBENT 1H42 | GB | CONFIDENT ROYAL DE STEPHEN FREARS AVEC JUDI DENCH, ALI FAZAL, TIM PIGOTT-SMITH, EDDIE IZZARD 1H51 | GB | 2017 2009

CARTE BLANCHE – 70 ANS DE LA REVUE POSITIF

Fidèle partenaire de l’Arras Film Festival, la revue Positif fête cette année ses 70 ans. A cette occasion, vous pourrez découvrir sept films d’Europe de l’Est, un par décennie, qui ont fait à leur époque la couverture de la revue et illustrent parfaitement son rôle dans la découverte de ces cinématographies et de leurs grands auteurs.

CENDRES ET DIAMANTS DE ANDRZEJ WAJDA AVEC ZBIGNIEW CYBULSKI, WACLAW ZASTRZEZYNSKI, EWA KRZYZEWSKA 1H43 | POLOGNE | 1958

UNE AFFAIRE DE CŒUR : LA TRAGÉDIE D’UNE EMPLOYÉE DES PTT DE DUSAN MAKAVEJEV AVEC EVA RAS, SLOBODAN ALIGRUDIC, RUZICA SOKIC 1H16 | YOUGOSLAVIE | 1967

LA RECONSTITUTION DE LUCIAN PINTILIE AVEC JOHN NEVILLE, DONALD HOUSTON, JOHN FRASER, ANTHONY QUAYLE 1H37 | ROUMANIE | 1968

LE TEMPS DES GITANS DE EMIR KUSTURICA AVEC DAVOR DUJMOVIC, BORA TODOROVIC, LJUBICA ADZOVIC 2H15 | YOUGOSLAVIE | 1989

LA DOUBLE VIE DE VÉRONIQUE DE KRZYSZTOF KIESLOWSKI AVEC IRÈNE JACOB, PHILIPPE VOLTER, SANDRINE DUMAS, ALEKSANDER BARDINI 1H38 | POLOGNE-FRANCE | 1991

4 MOIS, 3 SEMAINES, 2 JOURS DE CRISTIAN MUNGIU AVEC ANAMARICA MARINCA, LAURA VASILIU, VLAD IVANOV 1H53 | ROUMANIE | 2007

CORPS ET ÂME DE ILDIKÓ ENYEDI AVEC ALEXANDRA BORBELY, GEZA MORCSANYI, ZOLTAN SCHNEIDER 1H56 | HONGRIE | 2017

CINÉ-CONCERTS

Mardi 8 et mercredi 9 novembre à la Chapelle du Conservatoire à rayonnement départemental d'Arras.

OCEANIMATION Concerto LA RENCONTRE CROISÉE INTERDISCIPLINAIRE D’ARTISTES PORTUGAIS ET FRANÇAIS.

 PARIS QUI DORT DE RENÉ CLAIR AVEC HENRI ROLLAN, MADELEINE RODRIGUE, ALBERT PRÉJEAN FRANCE | 1923 

Version restaurée par la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé accompagnée par l’Ensemble Ciné-Concert du Conservatoire d’Arras sous la direction de Jacques Cambra. Copie : ADRC. E

Les Rencontres professionnelles du Nord

16ème édition, du 8 au 10 novembre 2022

Près de 200 professionnels français et belges réunis pendant trois jours, plus de 10 projections de films en avant-première en présence des réalisateurs et des équipes, des présentations de line-up par les distributeurs, des moments d’échanges et de convivialité… Ce rendez-vous annuel unique au nord de Paris est proposé avec la Chambre Syndicale des cinémas du Nord-Pas de Calais. Inscriptions en ligne sur : www.lesrencontresprodunord.fr

POINT D'INFORMATION

Au cinéma Mégarama

Du 24 octobre au 31 octobre

De 14h30 à 19h30 (sauf dimanches et mardi 1er novembre)

Du 2 au 4 novembre

De 9h30 à 21h30 (tous les jours)

Au Village du Festival

Du 5 au 13 novembre

De 10h30 à 19h (tous les jours)

Au téléphone : 09 72 60 45 72 

TARIFS 2022

Pass festival : 70 €

Nominatif. Accès à toutes les séances sauf soirée d’ouverture sur retrait des tickets.

Billets à la séance

Tarif normal : 8 €

Tarif réduit : 6 € (-18 ans, étudiant(e)s, demandeur(se)s d’emploi, adhérent(e)s PlanSéquence + Di Dou Da, Colères du présent,

Université pour tous de l’Artois, membres du CMCAS sur présentation d’un justificatif)

Groupes scolaires : 3,50 €

Séance à tarif unique

Soirée d’ouverture, vendredi 4 novembre : 9 €

Abonnement 10 films : 48 €

Valable pour 1 à 2 personnes par séance sur retrait des tickets. Ne donne pas accès à la soirée d’ouverture.

Abonnement 5 films : 30,50 €

Valable pour 1 à 2 personnes par séance sur retrait des tickets.

Ne donne pas accès à la soirée d’ouverture.

BILLETTERIE PHYSIQUE

Cinéma Mégarama

48, Grand’Place

A partir du 24 octobre

Possibilité d’achat des pass, abonnements et billets pour la soirée d’ouverture.

De 14h30 à 19h30 (sauf dimanches et mardi 1er novembre)

A partir du 2 novembre

Possibilité d’achat de tous les billets y compris ceux correspondants aux pass et aux abonnements.

De 9h30 à 21h30 (tous les jours)

BILLETTERIE EN LIGNE

A partir du 20 octobre

Possibilité d’achat en ligne des pass, abonnements et billets pour la soirée d’ouverture.

A partir du 27 octobre

Possibilité d’achat en ligne de tous les billets (sauf tarif réduit) y compris ceux correspondant aux pass et aux abonnements sur arras.megarama.fr.

Pour en savoir plus, le site officiel du Arras Film Festival.

Un festival à suivre également sur twitter  (@ArrasFilmFestiv) et instagram (@arrasfilm).